The „Secret“ to Mixing pro vocals – Hardcore Musicstudio

Und ZACK, da sind wir auch schon bei #20 angekommen, dieses Mal etwas zum Thema Vocal Mixing. Ein wirkliches Geheimnis ist es nicht, aber die Lektion ist eindeutig. Ihr braucht wahrscheinlich mehr Kompression als Ihr denkt. Bei mir sind aktuell 2- 3 Kompressoren und ein Limiter bei den Vocals im Einsatz. Dazu noch ein wenig Saturation.

Die Antwort hat mich einerseits überrascht, andererseits auch nicht. Würde ein Mikrofon fehlen, würde es mir wohl beim SM57 am schnellsten auffallen.

Gitarren Amp > SM57
Snare > SM57
Bass Amp > SM57 (zumindest für den Mitten Teil)
Hardcore Vocals > SM57

Kurzum ohne SM57 fehlt mir ein großer Trick in meiner Zauberkiste. Achja und das Mikro kostet nur um die 100 €, was auch ein Vorteil ist.

Kandidat Nr. 2

Kandidat Nummer 2 ist tatsächlich auch ein Shure Mikrofon und zwar das SM7B. Warum?

1. Es ist ein dynamisches Mikrofon und nimmt weniger Raum auf und ist deshalb auch in schlechten Räumen brauchbar. Mein Neumann nimmt da leider noch den Gesang der Spinne hinter der Lampe auf.
2. Es eignet sich hervorragend für Rock- Vocals und hat sich für mich als guter Kompromiss erwiesen. Wenn es schnell gehen muss, oder eben kein anderes Mikrofon passt, dann passt zu 80% das SM7b.
3. Es eignet sich auch hervorragend als Voice- Over / Sprecher Mikrofon. Das kommt natürlich auch auf Euer Szenario an, aber in meinen Alltag passt es perfekt. Solltet Ihr doch einmal einer Zoom Konferenz beiwohnen, dann fallt Ihr definitiv auch mit Eurer guten Qualität auf.
   Kleine Tirade am Rande: Wieso benutzen so viele Streamer Groß- Membraner, wenn Ihre Räume unterirdisch sind? Gerade ohne Akustik Maßnahmen ist das SM7B für mich das beste Streaming Mikrofon.
4. Es ist „relativ“ günstig. Mit etwa 400 € bzw. etwa 450 € mit Inline Preamp, den man einplanen sollte, liefert es absolut brauchbare Studioqualität und das wie beschrieben auch in schwierigen Situationen. Es kann in den Details nicht mit meinem Neumann mithalten, aber das Mikrofon werde ich ohne meine Akustikwände auch nicht verwenden.

Ich bin in meinem Artikel „Ist Editing wichtiger als Mixen?“ schon ein wenig auf das Thema eingegangen und wollte heute aus aktuellem Anlass noch einmal explizit auf das Thema Vocals eingehen.

In einer der letzten Mixes war es wieder so weit, dass ich mich einfach nur dagegen gesträubt habe, die Vocals auf ein passendes Level zu bringen. Rein technisch waren sie am richtigen Spot, aber auch das Feedback war „Die Vocals sind zu laut“. Meine erste Tat war zum Fader zu greifen, aber nun waren die Stimmen ratzfatz im Mix verschwunden, was auch nicht zielführend war.

Fehleranalyse: „Was stimmt hier nicht?“. Die Antwort war relativ schnell gefunden, als ich die Gesangsspur in Melodyne geöffnet hatte. Siehe da, da waren einige schiefe Töne dabei. Mit der Magie von Melodyne habe ich diese dann fix behoben und jetzt klingen die Vocals richtig und passen sich viel besser in den Mix ohne hervorzustehen.
Feedback: „ahhh jetzt passt die Lautstärke der Vocals“.

„Tick Tack“ und der Tag hat irgendwie auch nur 24 Stunden. Wenn man dann nur „Nebenberufler“ ist, wird die Zeit noch knapper. Dazu kommt noch, dass die Kunden gerade in der heutigen schnelllebigen Zeit nicht ewig auf Ihren Mix warten wollen. Mein Ziel ist es also, den ersten Mix innerhalb von 24- 48 Stunden beim Kunden zu haben. Da heißt es Tempo machen, aber natürlich darf man dabei auch nicht die Qualität vergessen.

Lerneffekt – Die Menge machts

Vor etwa 1 1/2 Jahren habe ich einen Artikel zum Lernen geschrieben und den kann ich auch heute immer wieder hervorrufen. Um zu Lernen muss man wirklich in der Praxis an seinem Ziel arbeiten. Aber die Menge macht auch einfach den Meister. Insgesamt habe ich dieses Jahr bis jetzt (Anfang Dezember) mit 16 Künstlern zusammengearbeitet, darunter mehrere EPs und ein komplettes Album gemischt. Und ich muss sagen, mir ist bewusster denn je, was für mich in der Praxis funktioniert und was eben nicht. Die größte Revolution war für mich sicher der richtige Einsatz von Limiting und Clipping.

Man sollte Dinge beenden

Wenn ich daran denke als ich vor 15 Jahren angefangen habe, dann ist es erschreckend, wie viele Stunde ich vor den gleichen 10 Songs verbracht habe und der Lerneffekt war gleich NULL oder zumindest sehr gering. Ein Song war eigentlich nie richtig fertig und irgendwie habe ich Dinge immer nur hin und her geschoben und verschlimmbessert. Gerade wenn Ihr noch in den Anfängen steckt solltet Ihr Euch das Ziel setzen, einen Song fertig zu machen und eben das Ganze auch mit einer nicht allzu langen Deadline. Sobald die Tracks korrekt in der Session liegen startet die Uhr und dann muss das Ding in 1, 2 oder 3 Stunden fertig sein. Und mehr Zeit ist dann nicht und dann geht es zum nächsten Projekt.

Mir hat zum Beispiel nebenbei auch die „Mixdown Training Room“ community bei Soundgym geholfen. Da wird jede Woche ein Song festgelegt, der von allen Teilnehmern gemischt wird und am Ende gibt man sich gegenseitig Feedback. Auch hier gilt wieder das Motto „Tick Tack“ wir haben eine Abgabefrist.

Mehr zum Thema Soundgym habe ich hier zusammen gefasst:

Eine Riesensammlung an kostenlosen Multitracks gibt es übrigens hier:

https://www.cambridge-mt.com/ms/mtk/

Bei der Gelegenheit kann ich Euch auch gleich noch einmal das Buch von Seiteninhaber und Autor Mike Senior – Mixing Secrets for the Small Studio empfehlen.

Lautheitsstandards – White Sea Studios

Ich hatte ja schon einen Artikel zum Thema Mastering und dem -14 db LUFS Mythos geschrieben. White Sea Studios hat dazu ein sehr gutes Video gemacht und die Standards erklärt. Vorweg, seine Konklusion ist eine andere als meine.
Seine These = mehr Headroom und Dynamic ist besser für die Qualität.
Meine These = Das ist technisch korrekt, aber der Hörer ist von den Hörgewohnheiten noch nicht so weit. Vielleicht sollte man erst einmal mit dem „Mainstream“ schwimmen und nicht als kleiner Künstler versuchen „Standards“ zu ändern, die von den Großen der Industrie vorgegeben werden. Natürlich ist das Genre spezifisch und gerade der Rock/ Metal Bereich mag diese Lautheit.

Konklusion

Macht Euch Euer eigenes Bild. In den folgenden Links findet Ihr alle Informationen die Ihr braucht.

https://artists.spotify.com/help/article/loudness-normalization

POV Mixing – Start to Finish – Colt Capperune

Wolltet ihr schon einmal bei einem Pro Mix in der ersten Reihe sitzen? Das Konzept hat Colt Capperune umgesetzt. In dem folgenden Video könnt Ihr ihm bei Mixen zugucken.

Bei allen Plugins von Fabfilter habe ich immer schon darauf geachtet das Oversampling zu aktivieren, um möglichst hohe Qualität zu erreichen. Nur habe ich irgendwie den Regler unten im Pro-Q mit Verachtung gestraft. Ich dachte irgendwie er hat nur 2 Optionen – Natural Phase oder eben Linear Phase.
Ich habe dann gestern folgendes Video gesehen und mich dann doch gewundert, dass Colt als erstes immer den Modus von „Zero Latency“ auf „Natural Phase“ ändert. Das musste ich natürlich sofort untersuchen und tatsächlich klingt der EQ im Natural Phase Modus noch ein wenig runder.

Also wieder etwas gelernt. Es ist also meine neue erste Tat, sobald ich den Pro-Q aufmache, den EQ erstmal Modus umzustellen.

4 Magic Frequencies For Mixing … – Hardcore Music Studio

Für die Freunde der härteren Gangart hat der Kanal von HMS was im Angebot. Aktuell dreht er gerade die Serie „4 Magic Frequencies“ um sein Cheat- Sheet und damit seinen Newsletter zu promoten. Die Videos sind aber wirklich zu empfehlen.

Bus Compressor

Der erste Schritt in meiner Kette ist fast immer ein Bus Kompressor, der den gesamten Mix ein wenig angleicht. Es kann höchstens passieren, dass ich noch einen EQ vor den Kompressor setze, um das Signal, das komprimiert werden soll, schon einmal in die richtige Richtung zu bringen, hier insbesondere das low end.

Für einen Rock Mix habe ich immer einen SSL Bus Compressor auf der Summe. Dazu hatte ich auch einen Artikel geschrieben. Aber kurz gesagt hat der spezielle Release Algorithmus den Sound von Rock Musik so geprägt, dass er schwer wegzudenken ist.

Standard Einstellung wären 10 ms Attack, Auto Release, 1:2 – 1:4 Kompressionsrate und Threshold so, dass bis max 4db Reduktionen stattfinden, meistens eher so 2-3db.

EQ

Man könnte sagen ohne Equalizer geht es nicht. Wir sollten hier allerdings nur kleine Änderungen machen und unseren Frequenz- verlauf formen (siehe Analyzer). Wenn wir den Song selber gemischt haben, sollten wir bei größeren Änderungen immer den Mix ändern.
Man sollte auch nicht die Möglichkeit außer acht lassen ins Mitten-/ Seitenspektrum einzugreifen.

Plugins der Wahl: Fabfilter Pro-Q oder Pulsar Massive

Saturation

Den Effekt von Saturation in Worte zu fassen gestaltet sich durchaus als schwierig und ich sollte unbedingt ein Video zu dem Thema machen. Für mich erfüllt es zwei Zwecke:
1. Es füllt das Spektrum auf angenehme Weise und macht alles ein wenig runder.
2. Die Verzerrung gibt auch eine sehr angenehme Form der Kompression, die schwer ist in Worte zu fassen.

Plugins der Wahl: Fabfilter Saturn, der Grund dafür ist, dass man hier die einzelnen Bereiche verschieden stark bearbeiten kann. (Link siehe oben)

Side Kompression

Die neueste Ergänzung zu meiner Kette: Ich habe mich immer gewundert wie die Topproduktionen diese irre, aber natürliche Weite hinbekommen. Ein Kompressor, der sich nur um den Seitenkanal kümmert, war die Antwort.
Plugins der Wahl: Aktuell benutze ich hier den Fabfilter Pro-C, aber hier bin ich noch auf der Suche nach einer einfacheren Lösung. (Link siehe oben)

Clipper

Wenn etwas meine Qualiẗat bei höherer Lautheit wirklich nach vorne gebracht hat, dann ist es Clipping. Subjektiv behält das Signal seinen Punch obwohl die Spitzen eben beschnitten werden. Dies ist anders als reines Limiting, was das Signal insbesondere die Snare subjektiv eher weicher macht.

Plugins der Wahl: Kazrog Kclip, Sonnox Inflator, Sir Audio Stanard clip

Limiter

Abschließend in der Kette ist der Limiter, der wie schon beschrieben, alles dicht macht und das letzte Quäntchen Lautheit herausholt. Dabei muss es nicht -14db LUFS sein. (Artikel siehe unten). Was allerdings unbedingt eingehalten werden sollte ist ein Peaklevel von -1dbfs. Hier kann es sonst zu Problemen bei der Umwandlung bei den verschiedenen Streaming Services kommen.

Plugins der Wahl: Fabfilter Pro-L

Bonus – Analyzer

Ganz, ganz hinten in der Kette, also eigentlich im Monitor- Weg, gibt es dann noch einige Tools die das evaluieren, was aus dem Master Bus heraus kommt. Hier habe ich zwei Analyzer im Programm, den Totalyzer von meinem RME Fireface und Tonal Balance Control 2 von Izotope.

Meine Vision

Beim ersten Durchhören entwickle ich automatisch meine Vision für den Song. „Wie stelle ich mir den Sound vor?“, „Was sind die wichtigsten Elemente?“ und so weiter. Ich habe also beim ersten Durchhören schon den fertigen Song vor Augen. Der Vorteil ist also, dass ich unvoreingenommen und mit frischen Ohren an das Werk heran trete, andererseits habe ich ein etwas anderes Bild als der Künstler.

Die Angst vor der Kritik

Anfangs muss ich zugeben habe ich vor jedem Feedback gezittert. „Was wenn der Kunde den Mix schlecht findet?“ „Was ist wenn es nicht perfekt ist?“

Jeden Mix abschicken war also ein Hoffen und Beten. Was mir seit den letzten 40- 50 Songs auffällt ist, dass diese Gedanken mehr und mehr verschwinden. Wichtig ist das der Kunde vorher weiß was mein Sound ist und wir uns dann abstimmen.

Visionen abstimmen

Mittlerweile erwarte ich nicht mehr, dass der erste Mix der finale Mix ist, gerade wenn ich mit Bands online arbeite und nicht Vorort im Gespräch verstehen kann, wie es im Kopf des Künstlers klingt.
Was ich tun kann ist, das der Mix der Beste ist, den ich in meinen Kopf höre. Aber ich nehme mir nicht heraus mehr über die Musik des Künstlers zu wissen als der Künstler selber. Es geht also darum die Vision des Künstlers zu verstehen und das dauert manchmal auch ein paar Revisionen, gerade wenn man die letzten Details perfekt machen will. Es geht um so kleine Details wie „das Bass Fill bei 01:36 muss ein wenig hervorgehoben werden, es hat besondere Bedeutung“. „Der Sound von X soll eher so und so sein“. Gemeinsam geht man dann also auf eine Reise und entdeckt die Intentionen.

Passt man zusammen?

Wie oben beschrieben wird man aber nur zusammen arbeiten können, wenn man etwa eine gleiche Grundidee hat. Zum Beispiel wäre ich mit einem Reggae überfordert. Das geht jetzt weniger um das Technische und das Handwerk, sondern um die stilistischen Eigenheiten dieses Genres. Man könnte sicher zu einem Ergebnis kommen, aber es würde zu lange dauern mir die Standards zu erklären.

Frei nach dem Motto Schuster bleib bei deinen Leisten konzentriere ich mich also auf einen modernen Rock Sound. Das ist dann die Basis dafür, dass die Grundrichtung des Projektes stimmt und wir nur noch die Details klären müssen.